Пако Янез
Осмият концерт на Галисийския симфоничен оркестър през абонаментния сезон 2019-2020 ни представи плакат с онези, които ни карат да се чудим какви неразривни аркани движат ума на диригент, когато съставя програма, на която, подобно на тази, липсват всички концептуална, тематична или дори музикална логика. Разбира се, ако някой се заеме да го направи, може в крайна сметка да намери три фута до котката или четирите реда до персонала и ако партитурите, които отвориха и затвориха този концерт, споделят нещо, това трябва да представлява два изгрева за съответните им създатели: в случая с младия галисийски композитор Уго Гомес-Чао Порта (A Coruña, 1995), защото това е първото му оркестрово произведение; в този на Йоханес Брамс (Хамбург, 1833 г. - Виена, 1897 г.), за конституиране на неговото посвещение в жанр, който той уважаваше колкото симфоничния.
Следователно, две оркестрови полярни сияния, макар тази нощ да е силно слаба в Коруня; Бих казал, че нейният напрегнат основен блясък беше затъмнен от много злощастна режисура от холандеца Ото Таус, щафета, който изобщо не разбра първото от чутите парчета днес: комисия от Фондация SGAE и AEOS за Галисийския симфоничен оркестър чието заглавие ни води, по същия начин, към този поглед към звездите, тъй като Уго Гомес-Чао нарече това първата си партитура за оркестър слънце, може би или нищо (2018-19): прозрение, на което - знам - той е посветил много месеци не само на интензивна работа, но и на размисъл, в който той е предложил (и е успял) да преформулира звука на самия оркестрален инструмент: реконцептуализиращ подход, който корени теоретико-композиционния модус на операция на Гомес-Чао в това за това кой представлява едно от най-големите му влияния (макар че по технически средства може да не изглежда така на най-очевидната повърхност на тази партитура): Хелмут Лахенман.
Всеки, който е прочел рецензиите, които посветихме на музиката на Уго Гомес-Чао на Mundoclasico.com през 2019 г., както и интервюто, което публикувахме с херкулинския композитор миналия май, ще знае значението на литературата (като тази на пластиката, тъй като с много визуален образ, който свири нотата, слушана днес) има в своето драматургично, дискурсивно и най-вече поетично мислене; Следователно заглавието на това парче, слънце, може би или нищо, идва от разказа Vie de Joseph Roulin (1988), на Пиер Мишон, един от любимите писатели на Уго Гомес-Чао заедно с Райнер Мария Рилке, също присъстващ на слънце, може би, или нищо през първия от Sonette an Orpheus (1922): «Тогава се издигна дърво. О, чисто възвишение!/О, пейте Орфей! О, високо дърво в ухото!/И всичко мълчеше. Но дори от мълчанието/се появи ново начало, знак и трансформация »(в испанския превод на Jesús Munárriz, публикуван от Hiperión).
И двамата са Луиджи Ноно и гореспоменатите Beat Furrer, Helmut Lachenmann, Salvatore Sciarrino, Iannis Xenakis и Giacinto Scelsi, които са сезон след сезон и десетилетие след десетилетие напълно чужди на афишите на галисийския симфоничен оркестър (част от отричането, че художествени и технически насоки изпълняват много от най-големите гении на нашето време в програмите за херкулинов компост); Следователно, за OSG беше предизвикателство да проведе, технически и стилистично, премиерата на много трудното слънце, може би или нищо; предизвикателство, което в концерта в петък, 17 януари, не достигна желаното ниво, не толкова за музикантите от самия оркестър, които вярвам, че са предложили достатъчно изпълнение, което напомня това, което някога са правили сами на парчета, също труден и сложен, от Франсиско Гереро, Енрике X. Макиас или Хосе Мария Санчес-Верду (почти всички, извън Оперния дворец), но с палка, тази на Ото Таус, която засенчи резултат, от който можеше да получи много Повече ▼.
След като изслушаме партитура като sol, може би или нищо, дори въпреки всички интерпретационни съжаления, споменати досега, истината е, че преминаването към Концерта в ре минор за две пиана и оркестър FP 61 (1932) от Francis Poulenc ( Париж, 1899-1963) ни поставя на прага на психическо изкълчване, освен че ни напомня, че проектите на програмистите са непостижими; напълно възможно, дори и за себе си, освен ако дежурните солисти не наложат своите репертоари: много разпространен обичай, който подкопава художествената съгласуваност на толкова много годишни програми, ако в тях има някаква тематична ос, в стила на Клаудио години Абадо в ръководител на Berliner Philharmoniker. Но, не, нека бъдем разочаровани: сезоните, проектирани последователно от Дима Слободенюк и Андрес Лакаса за OSG, нямат нищо общо с това; може би след няколко века (поне когато тези програмисти и този консерватизъм вече няма да царуват тук).
Окуражени от получените овации, братята Юсен се хвърлиха на върха, който се задълбочи само в онзи ланглангнизъм, за който се позовах по-рано, тъй като заедно атакуваха Sinfonia 40 (2016), парче за две пиана от италианеца Игор Рома (Баден), 1969), състоящ се от перифраза на първото движение на Симфония № 40 в G-mol KV 550 (1788) от Волфганг Амаде Моцарт и нейните прогресивни вариации, водещи биса към края на ехото и северноамериканския послевкус, донякъде ефективни и това не направи, но за да отбележи по-голям контраст със сериозността на предишната премиера: на онова слънчево слънце, затъмняващо толкова в херкулиновата си зора; затъмнение, което бихме претърпели отново във втората оркестрова полярно сияние на този концерт: тази, която на симфоничния хоризонт на Карлсруе (и като разширение на германската музика) предполагаше, на 4 ноември 1876 г., премиерата на Симфония № 1 в С малък опус 68 (1862-76) от Йоханес Брамс.
Но това, което чухме тази вечер, това, към което той ни насочи, беше Брамс на Виктор Пабло Перес от олово и кал, без никаква камерна структура, когато споменатият структурен финес и благородство при обработката на всяка секция са белегът на къщата на Брамс днес без прозрачност или мелодичен полет, нарисуван по мъгляв и груб начин (и не по строго метрономична причина, тъй като прочути рекордни прецеденти в тази симфония, като късните четения на Леонард Бърнстейн и Карло Мария Джулини-и двете, с Винерската филхармоника за Deutsche Grammophon - покажете ни, че с бавно темпо може да се роди и този симфоничен зол с нокът, изгарящ повърхността на оркестъра от наклонени тимпани, както и възобновявайки отчетливо бетовенския импулс, който тук напълно липсва). Това ще рече: добра част от проблемите, които G премиерата беше претърпяла, може би или нищо не бяха прехвърлени на този Brahmsian First, който, подобно на бързите ленти на партитурата, които отвориха програмата, липсваше много стремеж и насоченост (основна концепция както в Gómez-Chao, така и в Brahms).
„Andante sostenuto“ беше поддържан, заслужаващ излишък, само в онези по-камерни барове, с помощта на клаксони, гори, концертмайстор и тимпани; Макар че като цяло отново беше грубо, обвинявайки опит за подсладена ценност, която стана несмилаема и незаменима в края на това второ движение, поради това как Ото Тауск разтегна фразата на GSO върху песента на Масимо Спадано по сиренен начин и остаря, опитвайки се да се разшири мелодичният полет, който преди това е бил натежал и разбит от липсата на приемственост и лиричност, които в Брамс са неизбежни, превръщайки холандската щафета в това красиво „Andante sostenuto“ в нещо по-примамливо, отколкото духовно.
Третото движение, „Un poco Allegretto e grazioso“, показа по-голяма скорост и жизненост, без да намери точния тон, тъй като липсва кантабил във фразата, която е основна в това движение; по-специално на струните. Нито пък ветровете са придружавали тук адекватно; До голяма степен малко помогна на Ото Тауск, който вместо да конструира и постави, пресича оркестъра по прекомерен начин, разбивайки силно вплетеното брамсово единство, което тук представя класически отзвуци, напомнящи за пореден път на Бетовенски, че диригентът от Утрехт напълно се е отказал, тъй като гореспоменатата интеграция и камерен диалог на различните оркестрови секции.
С тези прецеденти можеше да се очаква, че убедителното „Adagio - Più Andante - Allegro non troppo, ma con brio - Più Allegro“ ще бъде корабокрушен, както е станало, въпреки красиво изложеното начало в pizzicato от струните на GSO, с много специално споменаване за цигулки и контрабаси: илюзия, която едва издържа няколко такта, тъй като докато влизаме последователно в изложбата, развитието и рекапитулацията, симфоничната сграда отново се срути, водена от Ото Таус с котва и грапавост, колкото и да се е опитвал да увеличи скоростта и да постигне плюс смелост в оркестъра, за да издърпа толкова стария, толкова добре познат трик, че наложеният край на фойерверки може да предаде паметта ни за това, което сме чували преди и да записваме тази памет четенето в паметта като разтворителна интерпретация. Но изобщо не беше така (както, от друга страна, посочи повечето критики към този концерт); нещо, което ни кара да се чудим защо концерти от този тип са оставени в ръцете на диригенти, които, изглежда, не са на нивото на този оркестър.