Изложбата за Пиер-Огюст Реноар, която отваря врати в музея на Тисен в Мадрид следващата седмица, разрушава митовете и го превъзхожда като изключително художник-импресионист
@marinavalcarcel Мадрид Актуализирано: 17.10.2016 г. 13:02
Свързани новини
През април миналата година до уебсайта на Белия дом стигна странна молба призовавайки президента Обама да премахне "ужасните картини на Реноар от стените на Националната галерия във Вашингтон". Нямаше ефект. Паралелното отваряне на акаунт в Instagram, озаглавен „Renoir Sucks At Painting“, нещо като „Renoir е гадно като художник“, беше по-ефективно отмъщение за тази на пръв поглед естетическа кауза, отстоявана от Макс гелър, млад американец, посветен на политическата комуникация и който отведе нещата още повече Демонстрирайте през октомври 2015 г. в Музея за изящни изкуства в Бостън, за да поискате творбите на френския художник да бъдат свалени. Всичко започва в деня, в който Гелър е посетил фондацията "Барнс" във Филаделфия, в която се помещава най-голямата колекция от Renoir в света, "181 работи всичко - според него - гадно". Оттогава и след диктатурата си, основана на предполагаемия добър вкус, този американец ни предизвика с въпроса: „Защо ни се налага Реноар да е велик художник?“ В същия акаунт в Instagram един от потомците на Реноар отговори на Гелер: „Когато вашият пра-пра-дядо рисува картина на стойност 78,1 милиона долара, може би тогава той има право на критика“.
По този спор, който избухна точно преди една година, той слиза в музея на Тисен в Мадрид „Реноар: Интимидад“. Чудесно оправдание ни позволява да прегледаме нашите критерии за художника от спокойното съзерцание на неговите платна. Говорихме с Гилермо Солана, уредник на изложбата, който ни връща просветлен въпрос: «По времето на Джеф Кунс Y. Деймиън Хърст Можем ли да се отнасяме внимателно към кича? ».
Радост с болка
Пиер-Огюст Реноар (1841-1919) се случва художникът на щастливия живот, празниците, шума на фестивалите, чувствените жени, партитата на ръба на кея, масите с натюрморти от светещи покривки, чашата за вино и плодове, ярките цветове и техника, която очевидно е възникнала сама по себе си, по естествен начин. Реноар ли е само това? Трябва да се имат предвид две идеи, преди да се затвори стереотипът, научен за художника от Лимож. На първо място, Реноар, смятан за художника на радостта, той рисува от болка. В много млада възраст ревматоидният артрит прогресираше през тялото му парализиране на крайниците, особено на ръцете, манията. Станделите с макари и четки, завързани с деформирани пънчета с марля, бяха част от уредите, които трябваше да използва, за да продължи да рисува до края. „Не мисля, че съм прекарал нито един ден от живота си, без да рисувам“, казваше той.
От друга страна, Обширната живописна биография на Реноар, с близо 4000 творби, отговаря на натрапчивото му желание да опитоми живописта. Няма линейна, широка, удобна и предвидима кариера; по-скоро е на непрекъснат вътрешен бой. Неговият метод се основава на размисъл и пристрастяване към работата.
Реноар започва да рисува близо до рококото: възхищава се Фрагонар, Баучер Y. Вато, оттам идва вкусът към една много френска тема, галантните партита. Те са годините на чиракуване, след това той е спечелил заплатата си като художник на порцелан до по-ефективна и прецизна машина, която е съсипал работата. Омразата на Реноар към напредъка идва, когато той е бил на 12 години. "Аз не съм интелектуалец, аз съм работник по рисуване".
Първите две стаи от тази изложба обединяват платната от неговия импресионистичен период, 1870-те години. Реноар е, заедно с Моне, първият от импресионистите, който има търговски успех и в това, че са приети от критиците: те са двамата велики виртуози. За разлика от Моне, Реноар по природа е бил художник на човешката фигура, а не на женската. Какво още, той имаше мания да продава. Ето защо той не спира да рисува портрети. Тази изложба им посвещава стая, в която е елегантният "Портрет на жената на Моне" (1872-74).
Импресионистичните години, които обхващат само 10 от 50-те, които продължава кариерата му, съставляват етапа му на слава, това на големите платна, рисувани на открито, темите на съвременния живот, елегантните жени, облечени в шапките и чадърите си, тези на четката, направени с бързи и енергични докосвания, опростени до крайност, скицираните герои и моделираните фигури от светлината. Но този период е кратък, около 1879 г. той се откъсва от импресионизма и започва да се появява различна творба, по-сладък удар с четка: «Renoir, as Сезан, той беше художник антиимпресионист », би казал той Андре Лхоте.
Класицизъм срещу модерността
Между 1883 и 1890 г. той претърпява тежка криза; художникът си признава Амброаз Волард: «Работата ми се срина. Беше донесъл импресионизма до края и Стигнах до извода, че не мога нито да рисувам, нито да рисувам». После се обръща към Ingres. Това е това, което е известно като „айгре“ или горчив период не само заради завоя към по-студените цветове, но и заради кимване към играта със звучността на името на художника от Великата одалиска.
Реноар се потапя в радикален работен процес; иска да се огледа пред великите мъртви: Рафаел, Тициан, Рубенс. Той пише на Дюран-Руел: «Все още ми писна от търсене. Не съм доволен, изтривам и изтривам отново. ». В тази епоха на регресия към класическото, рисунката започва да нахлува в картините му и темата да се отдалечи от съвременния живот. След пътуването си до Италия през 1881 г., където е зашеметен от стенописите на Помпей и картината на Рафаел, темите му се отклоняват открито към вечната Аркадия, предложена чрез къпещи се, превърнати в нимфи, с различен канон: далеч от женския, кръгъл и меки жени от първия Реноар, се появяват монументални тела, почти андрогинни, по-близо до творбите на Микеланджело, неговите сибили и следователно по-близо до скулптурата, до Джърси.
Неговата творба „Големите къпещи се“ (1887) е разглеждана във Франция в началото на 20 век отправна точка към модерността; тя е нарисувана в сложния момент от развитието на кубизма и абстракцията. Цяла стая е посветена на «Къпещите се», сред които се откроява «Баня, седнала в пейзаж», купена от Пикасо за частната му колекция през 1919г.
В кариерата му няма нищо линейно. Неговият метод се основава на размисъл и пристрастяване към работата
Тази изложба разглежда и внушително предложение за по-близо до Реноар: тактилният аспект, който залива картините му, фигурите, които прегръщат, интимността. Солана обяснява: «Реноар не е художник, като Моне, изключително визуалист, който се интересува само от усещанията на ретината. Той е художник, който винаги търси тактилна котва, във фигура, която докосва друга, или във фигура, която докосва предмет, придаващ този интимен тон. Музикалните сцени имат много общо с тактилните, момичетата, които свирят на пиано, китарата. Но ако погледнем във всички велики сцени на Реноар има фигура, която прегръща друга, която обгражда друга. В „Портрет на братята Дюран-Руел” очите се губят, но се съединяват с ръка, която минава отзад ».
На този етап е необходимо да зададете въпрос, който води до първоначалния спор, всички Renoir, също и този с розовите момичета, е задънена улица в боя?. Солана потвърждава: «Именно последният Реноар, подобно на съвременниците си Сезан и Моне, става ориентир за новите поколения художници: Пикасо, Матис, Бонард или Морис Денис. Големите защитници на съвременното изкуство като Лео и Гертруда Щайн, Алберт Барнс или Пол Гийом те събираха Реноар, както и Пикасо, Сезан или Матис. Те се възхищаваха на творбите му от началото на века, на този необуздан, изкривен, титаничен монументализъм. Оттук идва вдъхновението на Пикасо за някои къпещи се през 20-те години на миналия век ».
Черна дупка
В Matisse дългът към Реноар е още по-конкретен: «Използването на черно го интересува. Черното е първото нещо, което импресионистите потискат. Те го заменят със сини. Неговата палитра идва от дъгата, не може да има цвят, който да не идва от пречупването на светлината. Земите, кафяво и сиво идват от смесване на пасти, материали: те са мръсни цветове, те не идват от спектъра на светлината. Но Реноар веднага започва да проявява интерес към черното, което вече са използвали Мане, Курбе, Коро. Това не е лесен цвят. Рискът от поставяне на черно в картината, обяснява Реноар, е, че прави дупка “, заключава Солана.
Реноар, който през 1919 г., годината на смъртта си, прекоси галерията на Лувъра в инвалидната си количка, за да види за последно картините, инсталирани наскоро след Първата световна война, каза: «Започвам да знам как да рисувам. Отне ми повече от 50 години работа, за да стигна до тук, а аз все още не съм стигнал до края на пътя. Пикасо завършва "Дамите от Авиньон" през 1907 г.: сред частната му колекция има седем платна, закупени от Реноар.
Пиер-Огюст Реноар. "Поверителност"
Музей на Тисен-Борнемиса. Мадрид. Пасео дел Прадо, 8. Куратор: Гилермо Солана. От 18 октомври до 22 януари. Маршрут: Музей на изящните изкуства в Билбао, от 7 февруари