1624 масло

Герит ван Хонторст - "Веселият цигулар с чаша вино" (около 1624, масло върху платно, 83 х 68 см, Музей Тисен-Борнемиса, Мадрид)

Радостта на този цигулар е заразна. Кара ви да искате да протегнете ръка, да вземете чашата и да изпиете хубаво питие от онова бяло вино, което ви прави толкова щастливи. Въз основа на цвета на саноте на лицето му е очевидно, че той вече има няколко погълнати чаши и виждайки лицето на желанието, с което гледа течния елемент, ни е ясно, че това няма да е последното. Герит ван Хонторст беше още един от организаторите на каравагисткото училище в Утрехт, което обяснихме вчера. Използвайки силен източник на светлина, идващ отляво, художникът успява да създаде много динамична творба, пълна с контрасти и прекрасни детайли: яркостта на очите, напуканите зъби, бръчките на челото, разрошените вежди, рамото много бяло, отраженията на стъклото, сенките на ръката, с която е хванато и особено другата ръка, боядисани в подсветка за премахване на хълцането.

Хендрик тер Бруген - "Гайдарят" (1624, масло върху платно, 100 x 82 см, Национална художествена галерия, Вашингтон)

Пол Сезан - „Пирамидата на черепите“ (1889-1900, масло върху платно, 39 х 46 см, частна колекция)

Василий Верешчагин - "Апотеозът на войната" (1871, масло върху платно, 127 x 197 см, галерия Тетряков, Москва)

Руският художник-реалист Василий Верешчагин, свързан с групата „Предвижники“, беше убеден антивоенни боец, въпреки факта, че участва като военен в няколко битки. От една страна, той се възхищаваше на смелостта и героизма на войниците, но от друга се отвращаваше от отговорните за жертвите. Първоначално това впечатляващо платно трябваше да бъде озаглавено „Триумфът на Тамерлан“, турско-монголски завоевател, който имаше прекрасния навик да оставя пирамиди на глави след себе си в покрайнините на градовете, които побеждаваше. Тогава той помисли по-добре и промени заглавието, така че картината да представя смъртта и запустението, произведени от войната като цяло, както е посочено от надписа, който той добави на гърба: „Посветен на всички завоеватели, минали, настоящи и бъдещи“. Интензивността на светлината и светлите тонове, с които е нарисувано произведението, незабавно привличат вниманието ни. Жестоката битка е оставила земята безплодна и пуста, безжизнена, с изключение на гарваните, които са се загнездили в сухите дървета и летят над пирамидата на черепите, търсейки храна. Смразяващо, нали?

Тамара де Лемпичка - "Автопортрет в зелено Бугати" (1929, масло върху панел, 35 x 27 см, частна колекция)

Полската художничка Тамара де Лемпичка беше един от най-големите представители на арт деко. Неговите творби, наследници по някакъв начин на кубизма, перфектно отразяват този луксозен и упадъчен стил от междувоенния период. Лемпичка успя да стане моден портретист. Правеше истински късмет за творбите си и прекарваше нощи в купони, подсмърчайки кокаин, сякаш нямаше утре и сменяйки любовника си като рокля. Неговите картини са много атрактивни и цветни, но подобно на арт деко те все още са обикновена декоративна фасада, която не се крие много отзад. В рамките на няколко години те бяха извън модата, както и стилът, към който принадлежаха. Художникът изпадна в забвение и за него не се заговори отново, докато арт деко не започна да се смята за нещо „реколта“ и си струва да се възстанови, отражението на едно елитарно общество, което се опита да живее, обръщайки гръб на войната и голямата депресия.

Този автопортрет е поръчан за корицата на немско модно списание "Die Dame", което иска образ, отразяващ женската еманципация (разбира се, на жени, които са разрешили живота си и могат да живеят комфортно). Художникът се представя, че шофира луксозен зелен Bugatti, въпреки че всъщност е имала жълто Renault по това време. Колата е още едно допълнение към вашия човек, точно като ръкавиците, шала или грима. Фигурата на Лемпичка обаче е толкова студена, че ни напомня толкова много на манекен, че бихме могли да обърнем фразата и да разглеждаме жените като декоративно допълнение на колата, в който случай тази идея за женска еманципация отива на garete.

Франсиско де Гоя - "Пелеле" (1791-1792, масло върху платно, 267 x 160 см, Museo del Prado, Мадрид)

В тази добре позната картина на Гоя, една от неговите карикатури на гоблени, четири млади момичета се забавляват да държат комбинезон, доста освобождаваща игра, която символизира тяхното господство над мъжкия пол. Куклата скача безпомощно във въздуха, с отпуснати ръце и крака, а лицето му е изрисувано, сякаш е клоун. Очевидно тази игра понякога се практикуваше на моминско парти и може би това е, което Гоя искаше да представи тук, тъй като гобленът щеше да бъде в същата стая като тази в "Сватбата", която видяхме преди време (http: //goo.gl/AkDf4Z), по-специално в кабинета на Карлос IV в Сан Лоренцо дел Ескориал. Клюките казват, че може би художникът е искал да постави под съмнение страхливия характер на монарха, който си е позволил да се похвали от господстващата му съпруга Мария Луиза де Парма. Така или иначе е ясно, че момичетата се забавляват страхотно.

Франсиско де Гоя - „Сляпото пиле“ (1788, масло върху платно, 269 x 350 см, Museo del Prado, Мадрид)

Питер Брейгел Старият - "Детски игри" (1560, масло върху панел, 118 x 161 см, Kunsthistorisches Museum, Виена)

За да видите още коментирани творби на Питър Брейгел Стари, щракнете върху тази връзка.

Фрида Кало - "Няколко пикетоса" (1935, масло върху метал, 48 x 38 см, музей Долорес Олмедо, Мексико Сити)

За да видите още коментирани творби на Фрида Кало, щракнете върху тази връзка.

Питер дьо Хуч - „Момче, което носи хляб“ (1663, маслени бои върху платно, 73 x 59 см, колекция Уолъс, Лондон)